Les films en compétition de Deauville 2024

Le Festival du Cinéma Américain de Deauville 2024 a une fois de plus mis en avant la diversité du cinéma indépendant américain. Pour cette 50e édition, la compétition a présenté une fois de plus une belle variété de films, allant de récits personnels à des histoires plus sociales, en passant par des thrillers et des drames. Chaque film en compétition reflète, à sa manière, les enjeux actuels aux États-Unis, tout en faisant entendre des voix nouvelles et originales.

Dans cet article, vous découvrirez une poignée de ces films qui ont marqué cette sélection, qu’il s’agisse de premières œuvres ou de réalisations plus abouties. Pour ceux qui souhaitent voir nos retours sur les premières du festival, c’est ici !

Sing-Sing de Greg Kwedar

Synopsis 

Incar­cé­ré à la pri­son de Sing Sing pour un crime qu’il n’a pas com­mis, Divine G se consacre corps et âme à l’atelier théâtre réser­vé aux déte­nus. À la sur­prise géné­rale, l’un des caïds du péni­ten­cier, Divine Eye se pré­sente aux auditions… 

Critique

Sing-Sing nous plonge dans le quotidien carcéral en mettant en lumière le pouvoir transformateur de l’art. Divine G (superbe Colman Domingo), incarcéré à tort, trouve un exutoire à travers l’atelier théâtre de la prison, où l’expression créative devient un moyen de survie et de rédemption. L’arrivée inattendue du caïd Divine Eye aux auditions bouleverse l’équilibre, et le film explore avec finesse la manière dont l’art permet aux détenus de se réapproprier leur humanité. Il rappelle l’importance de ces initiatives de réinsertion par la culture, à l’instar de ce que l’on a pu voir dans le Tehachapi de JR.

Le casting, composé en partie d’anciens participants à des programmes de réinsertion, renforce l’authenticité du film. Les performances sont intenses, et les acteurs, pleinement investis, captivent avec des scènes chargées d’émotion. À travers la construction progressive de cette pièce de théâtre en prison, Sing-Sing dévoile des moments de vulnérabilité inattendus, tout en illustrant l’impact que l’art peut avoir sur des hommes souvent oubliés par la société.

Avec ce second passage après Transpecos en 2016, Greg Kwedar prouve une nouvelle fois son talent à capturer des histoires humaines fortes dans des contextes tendus. Sing-Sing est un film sincère et profond qui parle de réinsertion, de fraternité et d’espoir, offrant une vision différente et nuancée de l’univers carcéral.

The Stranger’s Case de Brandt Andersen

Synopsis

Une tra­gé­die frappe une famille syrienne à Alep, déclen­chant une réac­tion en chaîne d’é­vé­ne­ments dans quatre pays dif­fé­rents impli­quant des per­sonnes unies par un lien de paren­té, dont une doc­to­resse et sa fille, un sol­dat, un pas­seur, un poète et un capi­taine des garde-côtes. 

Critique

Attention, film choc. The Stranger’s Case est une véritable plongée avec une forte intensité dans les ramifications d’un drame syrien à travers plusieurs pays et personnages liés par le destin. Le film se distingue par sa proximité avec l’action en Syrie, offrant une perspective rare et poignante sur le conflit et ses conséquences humaines. À travers des récits entrecroisés, il réussit à éviter les pièges du pathos facile, en traitant son sujet avec nuance et subtilité. La tension est palpable tout au long du film, et les personnages, loin d’être manichéens, sont dépeints avec des motivations complexes et une humanité saisissante.

Là où The Stranger’s Case marque des points, c’est dans la représentation réaliste et immédiate de la guerre. Contrairement à la plupart des films sur les réfugiés, qui commencent souvent dans le pays d’accueil, ici, l’action débute en Syrie même, nous immergeant dans un chaos tangible et oppressant. Les performances des acteurs sont toutes remarquables, avec un Omar Sy à contre-emploi qui brille dans un rôle dramatique inattendu. Cette distribution réussit à incarner des histoires personnelles puissantes, sans jamais sombrer dans des caricatures.

Malgré une scène finale un peu prévisible et moins percutante que le reste du film, The Stranger’s Case reste une œuvre forte et bien construite. À la fois tendu et profondément humain, le film se distingue par son traitement réaliste et nuancé d’un sujet souvent trop simplifié, faisant écho à des séries comme Years and Years par sa portée émotionnelle et sociale. Un prix du public mérité donc pour l’oeuvre de Brandt Andersen !

Exhibiting Forgiveness de Titus Kaphar

Synopsis

Un artiste noir qui se libère de son pas­sé à tra­vers ses pein­tures voit son ascen­sion vers le suc­cès contra­riée après la visite impromp­tue de son père, un ancien toxi­co­mane déses­pé­ré à l’idée de se récon­ci­lier avec son fils. Ils vont batailler ensemble et apprendre qu’il est plus dif­fi­cile d’oublier que de pardonner.

Critique

Exhibiting Forgiveness fait le choix d’abordee avec profondeur la complexité des relations père-fils et le poids du pardon. L’histoire suit un artiste noir, en pleine ascension dans sa carrière, dont les œuvres sont nourries par son enfance difficile marquée par l’absence et les abus de son père, ancien toxicomane. Lorsque ce dernier réapparaît, en quête de réconciliation, le film plonge dans une exploration sensible des dilemmes émotionnels : peut-on vraiment pardonner lorsque les blessures sont encore ouvertes, même si la personne a changé ?

Le pardon est donc au cœur de Exhibiting Forgiveness, et Kaphar le traite sans complaisance. À travers des flash-backs poignants, on découvre l’enfance tourmentée du personnage principal, ce qui nous pousse à questionner nous-mêmes les notions de rédemption et de justice. Le film ne dicte pas une réponse, mais invite plutôt le spectateur à s’interroger sur ce qu’il ferait à la place du protagoniste. Les œuvres d’art de l’artiste, inspirées de ces traumatismes, servent de miroir à son passé, reflétant les dilemmes qui le hantent et apportant une dimension visuelle fascinante au récit.

Bien que le film soit riche en émotions, il souffre de quelques longueurs et d’un manque de rythme à certains moments. Cependant, la force de l’interprétation et la profondeur des thèmes abordés compensent largement ces faiblesses. Exhibiting Forgiveness est une œuvre introspective, qui touche à des questions universelles et laisse une empreinte durable sur ceux qui s’y plongent.

Daddio de Christy Hall

Synopsis

À l’aéroport JFK de New York, un soir, une jeune femme monte à l’arrière d’un taxi. Tan­dis que le chauf­feur démarre sa voi­ture en direc­tion de Man­hat­tan, ces deux êtres que rien ne des­ti­nait à se ren­con­trer entament une conver­sa­tion des plus inattendues… 

Critique

La séquence d’ouverture de Daddio est la seule scène (avec celle de clôture) qui ne sera pas dans un taxi. En effet, Christy Hall décide de nous offrir un huis clos intimiste qui se déroule presque entièrement à l’intérieur d’un taxi entre JFK et Manhattan. Il repose sur une rencontre fortuite entre une jeune femme (Dakota Johnson) et son chauffeur de taxi (rien de moins que Sean Penn), deux inconnus dont la conversation inattendue prend une dimension profondément humaine et émotive. À travers leurs échanges, on découvre progressivement leurs histoires, leurs vulnérabilités et leurs visions du monde, rappelant par son ambiance les discussions philosophiques et émotionnelles de la trilogie des Before de Richard Linklater.

Le film brille surtout par la qualité de ses dialogues et la prestation exceptionnelle des acteurs. La connexion entre les deux personnages, malgré leur différence d’âge et de parcours, est rendue touchante par des échanges subtils, oscillant entre moments de légèreté et réflexions profondes. Ce qui pourrait être un simple trajet en taxi se transforme en un voyage introspectif pour les deux protagonistes, et pour le spectateur, un miroir sur nos propres rencontres et conversations marquantes.

Avec son cadre réduit et son approche théâtrale, Daddio repose entièrement sur ses dialogues, et c’est là que le film excelle. La justesse des échanges et l’alchimie entre les acteurs en font une œuvre captivante, prouvant qu’avec des personnages bien écrits et des interprétations solides, même un simple trajet en taxi peut devenir une expérience cinématographique mémorable.

The Knife de Nnamdi Asomugha

Synopsis

Chris, un ouvrier du bâti­ment, est prêt à faire tout ce qu’il peut pour offrir une vie stable à sa famille, mais ses pro­jets sont bou­le­ver­sés lors­qu’une mys­té­rieuse femme fait irrup­tion dans leur nou­velle mai­son, tard dans la nuit. Lorsque la police arrive, l’in­truse gît sur le sol de la cui­sine, incons­ciente, un cou­teau à la main et c’est à l’i­né­bran­lable ins­pec­trice Carl­sen qu’il incombe de décou­vrir la véri­té sur ce qui s’est passé. 

Critique

The Knife est un thriller tendu et anxiogène qui aborde de manière réaliste les dynamiques sociales et raciales à travers un huis clos haletant. Chris, un ouvrier afro-américain, voit sa vie basculer lorsque, au milieu de la nuit, une femme blanche s’introduit dans sa maison et s’effondre, inconsciente. Le film nous plonge ensuite dans une course contre la montre, où l’arrivée de la police devient une source de tension palpable, surtout dans le contexte racial actuel aux États-Unis.

Le film, court mais intense, fait monter le stress de manière quasi insoutenable. On suit Chris et sa famille en temps réel, alors qu’ils tentent de naviguer dans cette situation imprévisible et dangereuse. La peur de l’injustice, de l’incompréhension et des préjugés raciaux pèse sur chaque décision prise par Chris, et le spectateur partage cette angoisse. Le film excelle à nous faire ressentir l’urgence de la situation, avec des personnages auxquels on s’identifie facilement et une atmosphère suffocante.

Ce qui distingue The Knife est sa capacité à éviter les stéréotypes simplistes. Ni la famille ni la police ne sont dépeints de manière manichéenne. Ce réalisme permet au film de traiter des enjeux profonds tout en restant captivant. The Knife est une œuvre concise mais puissante, qui parvient à nous tenir en haleine tout en posant des questions essentielles sur la peur, la justice et la survie. Aucune surprise donc à le voir remporter le prix du jury du festival !

Noël à Miller’s Point de Tyler Taormina

Synopsis

Un réveillon réunit les membres d’une famille ita­lo-amé­ri­caine de classe moyenne. Alors que la nuit avance et que des ten­sions éclatent, l’une des ado­les­centes s’éclipse avec son ami pour conqué­rir la ban­lieue hivernale. 

Critique

Dans ce film de Tyler Taormina, beaucoup repose sur l’ambiance qui capture l’esprit des années 90 avec une certaine nostalgie. Se déroulant lors d’un réveillon dans une famille italo-américaine, le film oscille entre des moments intimes et des tensions familiales, tandis qu’une adolescente et son ami s’éclipsent pour explorer la banlieue enneigée. L’atmosphère du film évoque des classiques comme Maman j’ai raté l’avion ou Dazed and Confused, mélangeant une douce mélancolie et une légère insouciance.

Le film adopte un style choral, multipliant les points de vue et les personnages, ce qui lui donne une structure foisonnante. Cependant, cette richesse devient parfois une faiblesse, car il devient difficile de s’attacher véritablement à l’un ou l’autre des protagonistes. Certaines scènes apportent de bonnes idées et des moments de vérité, mais le tout reste un peu trop éclaté pour que l’émotion s’installe pleinement.  Noël à Miller’s Point ne deviendra pas un film culte et sera probablement vite oublié. 

Cela dit, il reste un film charmant qui s’appuie surtout sur son atmosphère et son style visuel. Taormina parvient à recréer une époque avec authenticité, et même si l’on reste en surface au niveau des personnages, l’ambiance hivernale et les dynamiques familiales sauront séduire ceux qui recherchent un cinéma contemplatif et nostalgique.

In the summers d’Alessandra Lacorazza Samudio

Synopsis

Vio­le­ta et Eva rendent visite chaque été à leur père Vicente, à la fois aimant et témé­raire. Il crée un monde mer­veilleux mais, der­rière la façade enjouée, lutte contre l’addiction qui érode pro­gres­si­ve­ment la magie. Vicente essaie de répa­rer les erreurs du pas­sé, mais les plaies ne sont pas faciles à refermer…

Critique

Repartant avec le Grand Prix du Festival et Prix de la fondation Louis Roederer de la Révélation, In the Summers est le grand gagnant de cette édition du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2024.

Il s’agit d’un film intime, qui se construit en tranches de vie, centré sur la relation complexe entre deux sœurs, Violeta et Eva, et leur père Vicente. Chaque été, elles passent du temps avec cet homme aimant mais imparfait, dont l’addiction à l’alcool érode progressivement la magie de leur enfance. Le film, divisé en quatre parties, suit l’évolution des filles à travers les années, de l’enfance à l’âge adulte, capturant leurs questionnements sur l’identité, la sexualité et la vie familiale.

Le point fort d’In the Summers réside dans sa capacité à rendre ses personnages profondément attachants. On ressent à la fois l’amour et la douleur qui les lient, avec un père parfois irresponsable, mais qui tente désespérément de réparer ses erreurs passées. L’alternance entre les époques permet de voir les filles évoluer, tout en illustrant comment les cicatrices émotionnelles laissées par l’enfance peuvent influencer l’adolescence et la vie adulte.

Le film, malgré ses moments difficiles, se termine sur une note d’espoir. Cette touche d’optimisme allège le poids des thématiques lourdes comme l’addiction et les conflits familiaux. In the Summers parvient à raconter une histoire simple mais sincère, avec une douceur et une authenticité qui touchent profondément, même si certaines des nuances psychologiques ne sont qu’effleurées.